sexta-feira, 29 de agosto de 2008

Citação de Sexta: O mundo dos vivos

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"O mundo dos vivos já contém suficientes maravilhas e mistérios sendo como é; maravilhas e mistérios agindo sobre nossas emoções e inteligência de modos tão inexplicáveis que quase justificariam a concepção da vida como um estado de encantamento."

- Joseph Conrad, A Linha de Sombra

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quinta-feira, 28 de agosto de 2008

O Leopardo

No início de O Leopardo, o pano de fundo da história nos é explicado rapidamente em um letreiro: por volta de 1860, Giuseppe Garibaldi lutava pela unificação italiana, desejando fundar a República e combater a aristocracia decadente. Depois, uma frase arremata: é preciso que as coisas mudem para que tudo possa permanecer igual.

Enquanto isso, ouvimos o rumor de várias pessoas repetindo o que depois se descobre ser o terço, em latim. Uma família inteira, de joelhos, reza, mas logo uma gritaria do lado de fora da sala onde estão os incomoda, e o terço é encerrado. Vem então alguém trazer a notícia: há um soldado morto no jardim. E uma carta para o patriarca os alcança no mesmo momento. Trata-se de um outro nobre, que vai se refugiar com a própria família em um navio inglês, procurando segurança frente aos soldados de Garibaldi.

Sim, estamos na Sicília, no período do Risorgimento, e a aristocracia está com medo. Dom Frabrizio de Salina (Burt Lancaster, numa interpretação soberba) decide ir com a família para o feudo de Donnafugata, a fim de se protegerem de eventuais problemas com os rebeldes. Antes disso, porém, seu sobrinho, Tancredi (Alain Delon), dá a ele a notícia de que irá lutar ao lado de Garibaldi, e profere novamente a frase que já aparecera no início do filme: “É preciso que as coisas mudem de lugar para que permaneçam onde estão.”

Em Donnafugata, Fabrizio conhece Dom Calogero, um burguês riquíssimo, mas sem cultura, representante de uma classe nova, desconhecida. É com a filha de Calogero, Angélica (Claudia Cardinale), que Tancredi acabará por se casar. Eis aí, no casal, uma das imagens centrais do filme: a aristocracia pobre e decadente se unindo à burguesia rica e poderosa. Isso será tratado novamente, e com mais intensidade, na longa seqüência que fecha o filme, um grande baile onde burgueses e nobres dançam juntos, comem juntos, conversam, se unem, enfim, movem-se, saem de seus lugares, rearranjam suas posições, para que tudo, de maneira geral, possa permanecer como era antes.

O filme é esteticamente belíssimo. As paisagens parecem se expandir com os enquadramentos de Visconti, a música de Nino Rota parece ter existido junto ao filme desde o início dos tempos, e as atuações são todas perfeitas. Adaptado do romance de Giuseppe Tomasi di Lampedusa, O Leopardo não é inteiramente fiel ao livro. É, porém, uma obra extremamente pessoal de Visconti.

O tema da decadência, seu preferido, está impregnado em cada fotograma. Um clima de melancolia rege todo o filme. Enquanto acompanhamos os acontecimentos, estamos sempre olhando para eles com o olhar de Dom Fabrizio, um olhar abatido, triste, de mero espectador, impotente, consciente de sua própria derrocada. Perto do fim do baile, Fabrizio dança com Angélica, celebra a união de dois mundos, do novo e do velho, da vida e da morte, e depois se retira para o banheiro, onde, encarando o espelho, deixar cair uma lágrima. Sai então da festa e vai caminhando por vielas estreitas, até entrar num beco escuro e desaparecer na escuridão, levando junto a antiga ordem das coisas.
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quarta-feira, 27 de agosto de 2008

Nenikékamen! ou Os Jogos Olímpicos 2008 e a superação do ser humano

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Vencemos! Por todo o planeta, ouviram-se essas palavras, durante os 16 dias (18, na verdade) em que os Jogos Olímpicos de Verão deste ano, sediados em Pequim, tiveram seu curso. Cada país, de modo geral, vibrou, comemorou e torceu junto a seus atletas, lamentando as derrotas e comemorando as vitórias. Contudo, é cabível perguntar: qual o sentido do nacionalismo nos esportes? O que faz um país inteiro se identificar com algumas pessoas que buscam, tão somente, a realização pessoal?

Não pretendo, fique claro, entrar no tema da propaganda, do peso que ser uma potência olímpica tem para os governantes, ou do dinheiro investido para levar alguns atletas a ganhar uma medalha que, apesar de ser de ouro, não vai pagar a viagem. Quero, antes de tudo, pensar se é justificável que uma nação tome para si as conquistas de um de seus cidadãos, ainda que não tenha contribuído em nada para que ele chegasse lá.

Falemos, mais especificamente, do Brasil. É notório que nosso país tem muitas deficiências, e a principal delas, para o propósito desse texto, é a falta de incentivo ao esporte. Uma recomendação da Organização Mundial da Saúde diz que, para cada um dólar investido no incentivo aos esportes, três são economizados no setor da saúde. Ora, por que isso não é uma realidade? Talvez as forças políticas prefiram apostar em investimentos mais seguros, que dão um retorno político mais garantido, a investir aleatoriamente em esportes e torcer para que, da massa de praticantes, surjam medalhistas olímpicos dispostos a serem exibidos como um troféu ufanista.

Porém, se o Ministério dos Esportes e o Estado não fazem investimentos desse tipo, nem tampouco dão apoio a atletas brasileiros com grande capacidade, que direito têm eles de comemorar as vitórias de atletas, como César Cielo, que treinam fora do Brasil, com dinheiro de fora daqui? Nenhum direito, evidentemente. Só o que eles deveriam fazer é ir atrás de atletas para dar apoio financeiro e logístico a eles, e, assim, ter o direito de comemorar suas vitórias como se fossem “do Brasil”.

Mas, voltando ao ponto principal: ainda que o Estado investisse e apoiasse o atleta, o que leva as pessoas a comemorar uma vitória desses atletas tão intensamente? Claro, manchetes como as que apareceram por aí, dizendo que a chegada de Cielo ao Brasil “parou São Paulo” ou coisas do tipo são exageradas, mas é claro que muita gente torceu por ele, e vibrou ou até se emocionou com sua vitória.

No meu caso, o que me deixou emocionado, e me levou a escrever esse texto, foi a vitória de Maurren Maggi. No momento em que assistia, eu praticamente desconhecia todos os problemas pelos quais ela havia passado, mas a alegria dela com a vitória foi algo contagiante. E, depois, quando ela pegou as bandeiras de Brasil e China e começou a correr pelo Estádio Olímpico, fiquei verdadeiramente emocionado, por um motivo que é difícil explicar.

Naquele momento, pensava na capacidade de superação do ser humano, e na força que nós, apesar de tudo, temos para enfrentar as adversidades. Não quero passar por um romântico simplório, mas acredito que, para cada situação, há uma verdade válida: não, de fato, o Brasil inteiro não estava representado em Maurren Maggi, nem na seleção feminina de vôlei, nem em César Cielo, nem nos atletas que conquistaram medalhas de ouro e prata. Contudo, ver a emoção daqueles seres humanos - sim, pois antes de atletas, cidadãos ou brasileiros, eles são seres humanos – no momento da vitória é algo que, imediatamente, desperta em nós algum sentido adormecido, alguma espécie de reconhecimento que nos deixa alegres, bobamente alegres, por estar presenciando aquele instante de vitória.

Precisamos, sim, valorizar também os vencidos, não só nos esportes, mas em qualquer situação. Entretanto, isso não impede a Vitória de ser algo extremamente edificante e encorajador. É algo inato ao ser humano. Músicas como os temas de Carruagens de Fogo e Rocky, por exemplo, são tão marcantes justamente porque, de forma abstrata, resgatam em nós aquele sentimento de superação, aquela força subjacente que, a despeito do que vier, estará sempre lá, pronta a ser acordada e, ainda que depois advenha a derrota, só o que deixará para trás será um sorriso.

Pois, quando Filípedes percorreu a Grécia durante as Guerras Médicas, não imaginava que sua lenda sobreviveria por milênios. Mas, após percorrer duzentos quiilômetros a pé para convocar Esparta, mais quarenta e dois de Maratona até Athenas e, ao adentrar a cidade, gritar “Nenikékamen! Vencemos!”, caiu morto, com certeza, com o rosto rasgado por um misterioso sorriso de satisfação, feliz, simplesmente, na última hora, com a missão cumprida.
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segunda-feira, 25 de agosto de 2008

5 grandes compositores de trilhas sonoras

A música é, sem dúvida, um aspecto importantíssimo no cinema. Alguns cineastas, com motivos específicos, não a usam ou usaram, e ainda acontece de, mesmo em filmes de diretores que utilizam a música, ela não aparecer tanto. Mas, em geral, não há um filme sem música. Mesmo os filmes mudos, quando do advento do som, tiveram trilhas sendo compostas para eles. Ou até antes disso, como por exemplo no caso de Um Homem Com Uma Câmera, em que a música foi composta pelo diretor mas só chegou a ser executada junto ao filme muito tempo depois. Para alguns diretores, a música tem grande importância, e há aqueles que a utilizam com maior propriedade, o que os leva a se envolverem mais intensamente na criação musical. Muitos, porém, deixam a parte criativa da musicalidade de um filme na mão dos compositores, dando somente indicações e depois avaliando o resultado. E alguns desses compositores podem ser chamados de verdadeiros gênios. Falarei sobre alguns deles abaixo, sem ordem de preferência, mas sempre com enorme admiração.

John Williams: Uma verdadeira lenda, em verdade uma espécie de irracionalidade, dada sua capacidade de criar temas absolutamente inesquecíveis. Foi indicado 45 vezes (!) ao Oscar e ganhou 5, mas isso perde importância quando se começa a numerar a lista de temas e trabalhos que ele realizou: Star Wars, Indiana Jones, E.T., Jurassic Park, Superman, Contatos Imediatos do Terceiro Grau, Tubarão...

Ennio Morricone: Compôs a trilha sonora de mais de 500 filmes, entre eles Cinema Paradiso, e ganhou em 2007 um Oscar honorário em reconhecimento ao seu trabalho. O que se sobressai, contudo, em sua carreira, são as trilhas que compôs para os western spaghetti de Sergio Leone, em especial duas: A de Três Homens em Conflito, ou O Bom, o Mau e o Feio, em que ele criou o tema definitivo do faroeste (confira aqui, e saiba do que eu estou falando), e a de Era uma vez no Oeste, em que ele, como numa ópera, criou para cada personagem um leitmotif, de modo que podemos identificar a presença de cada personagem antes mesmo de ele aparecer, gerando um suspense e um tensão quase insuportáveis.

Nino Rota: Um dos maiores compositores de trilhas sonoras, Rota é especialmente valoroso por ter trabalhado com alguns dos maiores cineastas italianos. Seu trabalho mais conhecido, que já seria suficiente para colocá-lo entre os maiores, é o antológico O Poderoso Chefão, mas ele possui conteúdo suficiente para ir muito mais além. Com Federico Fellini, compôs a música de 8 e 1/2, A Doce Vida, Amarcord, entre outros. Com Luchino Visconti, fez O Leopardo e Rocco e Seus Irmãos, e com Franco Zeffirelli, compôs a trilha de Romeu e Julieta e de Sonho de uma Noite de Verão.

Vangelis: Evángelos Odysséas Papathanassíu, mais conhecido como Vangelis, passeia largamente por outras searas que não a de composição de trilhas sonoras. Entretanto, suas composições são tão marcantes que ele merece este lugar aqui. A mais importante, é claro, é o tema do filme Carruagens de Fogo, que, após vir a lume, ganhou o mundo como tema oficial dos maratonistas e hoje é reconhecido por praticamente qualquer ser humano no universo. Seu outro trabalho mais importante é a trilha sonora de Blade Runner, um trabalho pesado e melancólico, mas arrebatador, de uma beleza impressionante.

Bill Conti: O maestro, que freqüentemente comanda a orquestra na cerimônia do Oscar, tem um trabalho respeitável na composição de trilhas sonoras. Contudo, eles está aqui por um único e simples motivo. Um único e simples motivo que inspirou já milhares, talvez milhões de pessoas a se superarem. Um único e simples motivo que tem a capacidade de grudar na mente das pessoas e de lá não sair nunca mais. Um único e simples motivo chamado Gonna Fly Now, o tema de Rocky, um lutador.

sexta-feira, 22 de agosto de 2008

Citação de Sexta: Palavras...

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"As palavras podem ser como os raios x, se as usarmos adequadamente: penetram em tudo. A gente lê e é trespassado."

-Aldous Huxley, Admirável Mundo Novo

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quinta-feira, 21 de agosto de 2008

8 1/2

Há filmes que nos emocionam, filmes que nos fazem rir, filmes que nos encantam, e mesmo aqueles que nos assombram. Há, porém, poucos filmes, para cada pessoa, que podem levá-la além. Na primeira vez em que são vistos, já a tomam de assalto, a deixam indefesa, prostrada. Para mim, até alguns dias atrás, só dois filmes haviam me levado para esse estágio além do encanto e do espanto. Duas quintas-feiras atrás, porém, um terceiro filme foi acrescentado a essa lista. Ele foi me envolvendo, envolvendo, envolvendo, e de tal maneira, que, em seus trechos finais, mal conseguia piscar, meus olhos tragados pelas imagens em movimento, não querendo perder sequer um frame.

Tal filme, como é evidente pelo título desse post, trata-se de Oito e Meio, a obra-prima maior do cineasta italiano Federico Fellini. É complexo explicar do que se trata esse filme. Basicamente, é a história de um cineasta em crise, que organiza as filmagens de um épico de ficção-científica mas nunca chega a consumá-las. Ao mesmo tempo, encontra sua vida pessoal totalmente conturbada, com a amante e a mulher o rodeando o tempo todo e uma atriz que não sai de sua cabeça.

Este filme é especialmente querido pelos cineastas, posto que apresenta, de certa forma, as dificuldades criativas de um diretor de cinema, e muitas das coisas pelas quais ele tem que passar. Mas, apesar disso, é um filme extremamente pessoal. Guido, o protagonista, é claramente o próprio Fellini, sendo assaltado por todos os lados pelos mais diferentes algozes: os produtores, a equipe e os atores de seus filmes; seus amigos; suas mulheres; e sua infância. Sem nenhuma intenção de soar compreensível ou contar uma história linear, Fellini joga seus personagens do passado para o futuro rapidamente, e vice-versa, e mal distingue a diferença entre realidade e sonho. Nos flashbacks, é interessante reconhecer temas e personagens que voltariam a aparecer em sua obra-prima posterior, Amarcord, especialmente Saraghina, uma das mulheres da vida de Guido.

Mas a história geral é um mero detalhe, aqui. O que importa são as cenas, os fragmentos, os estilhaços de memória, de sonho e de vida que Guido carrega dentro de si, e, sobretudo, as imagens que Fellini cria. Pois Oito e Meio é pura magia do cinema. A trilha sonora (de Nino Rota), a fotografia, o andamento das cenas, tudo: tudo é belíssimo, perfeito, cada fotograma transpira uma “cinematez” tamanha que só nos resta, mesmo, ficar de olhos arregalados e orar aos Deus da Sétima Arte para que aquilo não termine nunca.

segunda-feira, 18 de agosto de 2008

Os 10 filmes de maior bilheteria da história

Já há um certo tempo, para um filme ser bom, na visão, sobretudo, dos executivos, é necessário seguir ao menos uma de duas prerrogativas: ou ele ganha muitos prêmios, ou faz muito dinheiro. Com isso, pode-se dizer que tornou-se mais difícil a vida daqueles filmes descompromissados, que querem simplesmente divertir, mas sem apelar ao clichês dos arrasa-quarteirão. Por outro lado, o aumento do investimento em filmes e o alto retorno das bilheterias possibilitou coisas que antes não poderiam sequer ser sonhadas. E quem ganhou com isso foram os bons e velhos nerds, que puderam finalmente ver nas telas o que antes ou eles imaginavam, ou viam em imagens estáticas. Isso porque os filmes mais alardeados atualmente são aqueles de temática fantástica, ficção científica, ou adaptações de quadrinhos e épicos de fantasia. Com efeito, a esmagadora das produções de Hollywood atualmente, ou ao menos as dos grandes estúdios, são adaptações (de livros, quadrinhos, séries de TV etc.), remakes (de filmes antigos ou estrangeiros - lembrem-se que os americanos não gostam de legendas) ou continuações (Duro de Matar, Rambo, Rocky, Indiana Jones). Devido a isso, poderia se dizer que Hollywood vive uma crise criativa.

Por outro lado, nunca os filmes arrecadaram tanto. A cada ano, os rankings de bilheteria se renovam, e são anunciadas novas grandes produções. Os filmes são gerados pensando-se numa história que seja divertida, fantasiosa, e permita a maior inserção possível de impressionantes efeitos especiais. Vivemos na Era do Blockbuster, e é especialmente significativo falar disso hoje, o dia em que o mito-fundador desta Era, o clássico absoluto Star Wars (com o posterior acréscimo Episódio IV - Uma Nova Esperança) foi ultrapassado na arrecadação de bilheteria em todos os tempos nos EUA pelo filme do ano, Batman - O Cavaleiro das Trevas, que assumiu o segundo lugar, atrás apenas de Titanic, do qual falarei mais adiante. Star Wars mantém o posto, e um ainda mais importante, de segunda maior bilheteria de todos os tempos, no mundo todo (atrás apenas de ...E o Vento Levou), quando os valores de ingresso são corrigidos pela inflação, mas o fato de Batman tê-lo ultrapassado no outro ranking é algo extremamente representativo.

Antes de prosseguir, vamos ao ranking prometido no post:

1. Titanic (Idem, James Cameron, 1997)
2. O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei (The Lord of the Rings: The Return of the King, Peter Jackson, 2003)
3. Piratas do Caribe: O Baú do Homem Morto (Pirates of the Caribbean: Dead Man's Chest, Gore Verbinski, 2006)
4. Harry Potter e a Pedra Filosofal (Harry Potter and the Sorcerer's Stone, Chris Columbus, 2001)
5. Piratas do Caribe: No Fim do Mundo (Pirates of the Caribbean: At World's End, Gore Verbinski, 2007)
6. Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix, David Yates, 2007)
7. O Senhor dos Anéis: As Duas Torres (The Lord of the Rings: The Two Towers , Peter Jackson, 2002)
8. Star Wars: Episódio I - A Ameaça Fantasma (Star Wars: Episode I - The Phantom Menace, George Lucas, 1999)
9. Shrek 2 (Idem, Andrew Adamson, 2004)
10. Jurassic Park - O Parque dos Dinossauros (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993)

(Fonte: Box Office Mojo)

Analisemos-na: Dos dez filmes da lista, dez são dirigidos por nerds (James Cameron, para quem não sabe, dirigiu os dois primeiros Exterminador do Futuro, o segundo Alien e um filme chamado Piranhas II), nove tem temática fantástica, de fantasia ou ficção científica (tirando Titanic, claro), cinco são adaptações literárias (Senhor dos Anéis e Harry Potter, além de Jurassic Park), dois foram baseados em um brinquedo de parque de diversões (Piratas do Caribe), um dá sequência há uma saga que começou nos "muito, muito distantes" anos 70 (Star Wars), e somente dois partem de premissas originais, sendo que um deles é, a bem da verdade, uma grande paródia (Shrek), e o outro é baseado num acontecimento real (Titanic).

O filme mais antigo da lista é de 1993, mas também pudera: Jurassic Park inaugurou a era do CGI (computer-generated imagery - computação gráfica) no cinema, além de ter sido revolucionário no uso de animatronics. Dois dos filmes são de 2007, ano passado, e apenas outros dois, além de Jurassic Park, são da década de 90. Outro detalhe interessante: apenas dois não são continuações, ou fazem parte de uma saga. E, tirando Titanic, são todos um combo de comédia, drama, e aventura.

(Titanic, aliás, é um caso a parte, uma verdadeira aberração. Ficou meses em cartaz, mesmo!, e arrecadou 600 milhões nos EUA, além de outro 1,2 bilhão no resto do mundo. É virtualmente impossível superar a arrecadação de Titanic nas bilheterias, ainda que, é fato, nas arrecadações "periféricas", como brinquedos, jogos, DVD, enfim, produtos derivados, o filme não seja tão forte, e Star Wars seja imbatível.)

O que podemos concluir, daí? Que o lema de Hollywood atualmente é olímpico: Citius, Altius, Fortius - mais rápido, mais alto, mais forte. Faz-se um filme pensando-se em sua continuação (geralmente em forma de trilogia), que terá mais efeitos especiais, mais batalhas, mais aventura, e, frequentemente, muito menos cérebro. Claro que isso às vezes resulta em coisas extasiantes como O Senhor dos Anéis. Porém, resulta também em fiascos, em filmes absolutamente vazios, débeis, idiotas. Espero, enfim, que não seja necessário um colapso de Hollywood (a concorrência com o DVD e a internet está cada vez mais difícil) para que os executivos e produtores acordem e resolvam fazer, juntos com os grandes e divertidos filmes de fantasia, filmes mais próximos de nós, mais originais, mais diferentes.

sexta-feira, 15 de agosto de 2008

Citação de Sexta: Two Suns in the Sunset

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“E o carpinteiro era assaltado pela dúvida sobre se construir máquinas boas não estaria além das possibilidades humanas, ao passo que as únicas que de fato podiam funcionar com eficácia e exatidão seriam os patíbulos e as torturas.”

- Italo Calvino, O Visconde Partido ao Meio

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quinta-feira, 14 de agosto de 2008

Vôo sobre o Abismo

Na véspera do Dia de Todos Santos, ele se viu debruçado sobre um desfiladeiro profundo. Na outra margem, seus ossos chocalhavam, mas ele permanecia com o rosto voltado para baixo, encarando o abismo. O abismo, insinuante, como que brotava do breu subjacente, e se esgueirava até ele, encarando-o sem expressão.

Suavemente, caminhando com passos tímidos, lentos, silenciosos sobre a poeira, aproximou-se um manto de muitas cores e camadas, envolvendo em vários amplexos um corpo velho e carcomido. Precisamente, os panos tomavam os contornos de um quimono sobre aquele corpo de gente antiga, de pele engelhada e tetas murchas, e ralos cabelos dispersando-se ao vento.

Os olhos miúdos do corpo viram seus próprios dedos da mão canhota se esticarem, estalarem e tocarem o ombro do ele debruçado sobre o penhasco. O susto o fez mover o pé, que jogou cascalho abismo abaixo, dentro da escuridão.

O ele levantou-se, e postou-se de frente com o corpo envolto em mantos, a velha de cabelos dissipados. Os sapatos dele já estavam cobertos de poeira, assim como seu paletó e sua calça. Nesse instante, sua gravata drapejava, e seus cabelos cobriam seus olhos, semicerrados pelos grãos de poeira que a eles se lançavam.

- Não é preciso. – disse a boca que surgia de repente do manto. – O segredo é voar. Não pule, voe.

As cores do manto, e os espasmos de pele que por mágica surgiam entre suas curvas estendiam seus tentáculos e tocavam os olhos dele, tentando despertá-los da letargia em que se haviam afundado. Os olhos, porém, não demonstraram reação. Ele deu um passo vacilante, seu pé se arrastando, escorregando no solo seco, e passou curvado ao lado do manto e sua velha inata, abandonando-os no meio da poeira, da solidão e do vento silvante.

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Chegou em casa logo, passou pelos umbrais da porta sem fazer barulho e subiu para seu quarto. Já ali, pôs-se à janela e ficou a observar a vizinhança, tentando ouvir alguma música agradável ou burburinho. Os arredores, porém, permaneciam na mais absoluta estagnação.

Tornou às escadas e desceu para a sala, onde sua mulher via TV compenetrada. Na cozinha, sua filha estudava, debruçada sobre os cadernos, e um único feixe de luz, vindo da luminária, descia e imprimia em sua silhueta um delinear fantasmagórico. Suspirou.

Voltou para a sala e, sem hesitar, desligou a TV. Virou-se para a mulher e disse:

- Venha, querida, vamos dançar.

Ela se limitou a encará-lo com os olhos levemente arregalados, e depois virou-os de volta para a TV. Num gesto mecânico, levantou-se e saiu da sala. Abriu a porta para a varanda e ficou ali, parada, recebendo no rosto a brisa noturna.

Ele então decidiu tentar a filha, e foi para a cozinha. Debruçou-se sobre o rosto curvado da menina, seu braço direito apoiado no balcão, e murmurou:

- Oi filha.

A menina assustou-se, levantou o rosto com rapidez. Largou o lápis no movimento, e com lerdeza virou o rosto para o pai. Em seu rosto, uma expressão de cansaço. Ela fitou os olhos do pai e, por um segundo, deu um leve sorriso. Depois, debruçou-se sobre os cadernos novamente, sem pronunciar uma palavra sequer.

Já enervado, ele saiu da cozinha e caminhou até a porta da varanda, onde a mulher ainda esperava, de pé, braços ao largo do corpo, ombros caídos. Ele passou os braços em volta de sua cintura e a abraçou forte, beijou seu pescoço e exalou um bafo cálido. A mulher limitou-se a voltar, quase imperceptivelmente, o rosto para trás, e torná-lo novamente para o frio da noite.

Soltando os braços, ele deu um passo para trás, e a passos largos saiu da casa. A rua do subúrbio estava vazia e escura, muitos dos postes tinham sua lâmpada queimada, e não se ouvia um rumor de conversa em todo o quarteirão. Apertou o passo e, correndo, voltou o rosto para trás uma única vez, para ver grãos de poeira e insetos ascenderem ao céu sem estrelas e a luz de sua casa afastar-se lentamente.

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No desfiladeiro, encontrou um carro velho, enferrujado, praticamente esfarelando-se. Lá dentro, um manto cheio de reentrâncias se apoiava no volante. Ele abriu a porta e tentou acordar a velha que dentro das reentrâncias morava, mas o manto estava vazio.

Ergueu a cabeça, olhou em volta e não viu sinais de ninguém. Tomando uma decisão, retirou o manto do carro, e o levou até a beira do abismo. As pontas de seus pés avançavam perigosamente para dentro do espaço vazio, mas ele não estava com medo.

O manto, que se enrolava na violência do vento, era segurado firmemente por sua mão, mas uma súbita rajada mais forte o arrancou de entre seus dedos e o levou, flanando, drapejando, voando, para um horizonte indeciso.

Nesse momento, suas pernas começaram a tremer. Um frêmito surgiu da ponta de seus dedos, passou pelo calcanhar, e à medida que subia por sua perna, por seu peito, por seus braços, arrepiava cada pêlo no caminho. Chegou à nuca, e eriçou seus cabelos. O abismo avizinhava-se particularmente negro.

Não sem esforço, ergueu os olhos da escuridão sensível e os jogou em direção a tudo que havia em volta. O céu, num azul absurdo, contrastava com as nuvens, branquíssimas. As cores da areia se reproduziam e multiplicavam-se, coleando como vagas secas. Os próprios espinhos do desfiladeiro pareciam mais tangíveis, mais sólidos. O ar estava mais espesso, seu coração batia mais alto, seu sangue corria mais intensamente.

Debalde, tentou recuar o pé pela terra esturricada, mas foi em vão. Já era tarde demais. O vento, chicoteando, o empurrou em direção ao abismo, e o viu abanar os braços, fechar os olhos e buscar na memória orações perdidas.

Uma nova rajada, entretanto, o jogou para cima, e abriu seus olhos, e fez seus braços pararem, formando um curioso arco que lembrava a envergadura das asas de um pássaro. Assim, de olhos abertos, ele se lembrou das palavras do manto, e, ainda sem saber muito o porquê, ou entender como, baixou os braços em direção ao corpo, e viu-se jogado ainda mais para cima por uma outra rajada de vento.

Finalmente, estava voando. Deixou-se esvaziar de tudo que o preenchia, e o vento o levou, leve como uma pluma, até o outro lado do abismo. Descendo, a dez metros por segundo por segundo, sua cara encontrou o chão em cheio, e encheu sua boca, seu nariz e seus olhos de pó.

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Perto dali, seus ossos chocalhantes já se haviam recomposto, e preparavam-se para o movimento. Após alguns segundos de intenções indecisas, os ossos da sua perna direita se moveram, seguidos pelos da esquerda, e assim por diante. Desequilibrado a princípio, a ossada logo encontrou seu prumo, e começou a correr.

Os ossos encontraram-no se recuperando do choque, levantando-se apoiado nos braços ainda doloridos e tentando limpar o terno da maneira que podia. Não tomaram nota de sua presença, mas fizeram seu uso dele. Antes que ele percebesse, os ossos se haviam apoiado sobre seus ombros e pulado, passando por cima de sua cabeça a espetacular velocidade, e indo cair na outra face do abismo.

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Orgulhosa, a ossada andava pela cidade, emitindo um brilho tal que quase se poderia dizer que ela sorria. Garbosa, passava em frente a vitrines, se admirava nos vidros espelhados dos carros, e seu desajeitado passear fazia parecer que ela estava rebolando.

Intuitivamente, logo chegou à sua, poderíamos dizer, casa. A, poderíamos dizer, sua mulher, continuava parada na soleira da porta, mas agora se apoiava no braço direito, e não tomou nota quando os ossos passaram. Também sua, poderíamos dizer, filha, continuava debruçada sobre os cadernos.

Curioso, percorreu a casa de cima a baixo, mas não encontrou nada de interessante, ou que valesse a pena. Foi para a cozinha, e sentou-se ao lado da filha, cotovelo sobre a mesa, o crânio apoiado na mão ossuda. Após algum tempo nessa posição, seus ossos começaram a tiritar, e acharam melhor sair dali.

Já experiente, dirigiu-se com cautela para a mulher. Pôs os ossos da mão em volta de seu ombro, e tentou virá-la em sua direção. Mas foi inútil. Ela continuava fitando obsessivamente uma mancha na madeira da varanda.

Cabisbaixo, ele saiu da casa sem fazer barulho, e voltou para o desfiladeiro. Lá, arrastou o carro em ruínas até a borda, e, antes de pular, deu uma última olhada para trás, como que pensando se fazia a coisa certa.

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Ele agora estava sentado, virando a cabeça para todos os lados como que para reconhecer o terreno. Ouviu a aproximação de seus ossos, e se levantou. Encarou a ossada longamente, e um brilho suave de reconhecimento apareceu em seus olhos. Levantou o rosto sorridente e indagou à sua caveira:

- Você também desistiu?

O crânio limitou-se a olhar para o lado, e então tornar novamente suas órbitas vazias para ele. Foi até ele, e pôs os ossos da mão em seus ombros. Ele sorriu novamente, e conduziu a ossada até a sombra de uma grande árvore, onde descansaram durante algumas horas. Depois, ele e seus ossos continuaram sua marcha pela terra incógnita.

*inspirado em uma história em quadrinhos de Laerte Coutinho.

quarta-feira, 13 de agosto de 2008

A Laranja Mecânica

Adaptar literatura para o cinema nunca foi tarefa fácil, nem vai ser. Aliás, há um certo consenso que proclama a dicotomia de boa literatura não fazer bom cinema, mas baixa literatura produzir sim bons filmes. Há um cineasta, entretanto, que apesar de não ter escapado dessa sentença, construiu muitas de suas obras da matéria literária, com resultados nada menos que geniais. Estou falando, é claro, de Stanley Kubrick.
Dos filmes do diretor, ao menos 9 (quase a totalidade) foram inspirados em romances ou novelas. Entre os mais famosos (considerando livro e filme), estão Lolita, O Iluminado, De Olhos Bem Fechados, 2001 – Uma Odisséia no Espaço e A Laranja Mecânica. O primeiro é um bom filme, mas é só. Considerando que o espetacular romance no qual ele se baseia é um clássico da literatura, altamente apoiado no estilo para contar sua história, não é de surpreender que Kubrick tenha alcançado pouco êxito, traduzindo tão somente a história para as telas. Acredito inclusive que reside aí a dificuldade de se adaptar os grandes livros para o cinema: neles, a forma é mais importante que o conteúdo; o modo de se dizer algo é tudo. Por isso, uma boa adaptação de um cânone literário teria obrigatoriamente de traduzir para a linguagem cinematográfica o estilo do livro, o que é algo extremamente complicado. Mas estou fugindo do assunto, isso é tema para outra conversa.
As outras adaptações supracitadas são todas grandes filmes, embora enquanto adaptações apresentem diferentes níveis de sucesso. O Iluminado, e isso é consenso entre fãs do filme, do livro, e o próprio Stephen King, não é uma adaptação fiel do romance homônimo do qual tira sua história. O filme exclui toda menção direta a certos fatos sobrenaturais que fazem parte do livro, e com isso acaba constituindo, mais do que um filme de horror, uma história verdadeiramente aterrorizante sobre a loucura. De Olhos Bem Fechados, adaptação do Breve Romance de Sonho, de Arthur Schnitzler, atualiza a história, mudando seu espaço da Viena do fim do século XIX para a Nova York do fim do século XX. Também faz diversas outras alterações na história, mas de modo geral é considerado um grande filme.
Resta-nos então dois casos muitíssimo especiais. O primeiro, 2001 – Uma Odisséia no Espaço, não é exatamente uma adaptação literária. Na verdade, o livro e o roteiro do filme foram escritos, em cooperação e concomitantemente, por Kubrick e Arthur C. Clarke, de modo que a obra cinematográfica é uma adaptação perfeita, posto que foi concebida como gêmea da obra literária. E o segundo, que por sinal é o tema principal desse texto, é A Laranja Mecânica, que foi adaptado do romance distópico de Anthony Burgess. O livro é muito bom, e possui uma linguagem toda própria, pois é narrado por seu personagem principal, e portanto está impregnado das gírias que ele usa. O filme, contudo, é ainda melhor, e mais significativo para a história da arte.
Basicamente, o filme é a história de Alex DeLarge, um jovem que vive em uma cidade não identificada propriamente, em algum ano no futuro. Ele lidera sua gangue, saindo todas as noites para tomar leite com drogas e praticar a ultraviolência, a violência pesada e sem motivo. Em dado momento do filme, ele é traído e preso, e para sair da prisão se oferece para um programa científico que teoricamente acabaria com a violência dos criminosos. Assim, é submetido a uma terapia de choque, onde recebe compostos no sangue, e depois é forçado a ver filmes cheios de violência. Quando sai, porém, encontra um inquilino morando com seus pais, e, depois de sair de lá, é agredido por pessoas que conheceu antes da prisão, chegando a tal ponto que tenta o suicídio. Sobrevive, tem a lavagem cerebral revertida, e no fim promete apoio a um político que o ajudara.
De maneira geral, o filme é isso, uma história já um bocado perturbadora, mas é nos detalhes que sua força se multiplica. Algumas frases, algumas cenas, algumas imagens se tornam especialmente marcantes. A proposta do filme é fazer uma caricatura do mundo real, para assim, como é próprio das caricaturas, ressaltar as partes mais marcantes desse mundo, e nos jogar na cara que aquilo estava na nossa frente e nós não víamos. Uma caricatura misturada com soco no estômago, como é Laranja Mecânica, tem o efeito de tirar nossa mente da massa anestesiada e amortecida e nos fazer ver as coisas de cima e de perto, de modo a verdadeiramente enxergar o que está acontecendo.
A violência sendo praticada por todos, em diversas formas - polícia, estado, juventude, vítimas (!) -; o questionamento sobre o que faz de um se humano algo vivo e único e a partir de que momento ele torna mecânico e automatizado; e muitos outros são os temas que recheiam e adensam essa obra-prima inigualável. Mesmo tendo mais de trinta anos, a grande obra de Kubrick é urgente e necessária, para nos tirar de nossa indiferença e nos botar rendidos, de joelhos, frente à verdade da crueldade, violência e sadismo que dormitam, subreptícios, em cada ser humano.

terça-feira, 12 de agosto de 2008

Um Conto de Duas Pessoas (XV)

Ali, ali, ali ó.
O quê?
Deixa pra lá.
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A Anfitrião deixou-se afastar, então, e ficou parada, ereto, com um dos pés subindo e descendo e batucando levemente no solo. Um de seus braços cruzava a frente do peito, e neste se apoiava outro, em cuja mão subseqüente o Anfitriã deixava o rosto se afundar. Ele fitava Monami com um ar alegre, leve, e sua pele rosada parecia mais viva do que nunca. Logo, porém, uma sombra começou a descer lentamente sobre seu rosto.
Seu sorriso suave se desfez, e ele fez os lábios permanecerem unidos, firmes, e os olhos se desviaram de Mochara e se lançaram ao chão. Suas sobrancelhas se ergueram levemente, quase imperceptivelmente, e então de contraíram, acumulando-se junto a um tanto de pele e sebo sobre o nariz da Anfitrião. Súbito, porém, os olhos saíram do marasmo e adquiriram um novo brilho, que apeteceria mais ao espanto, e se ergueram novamente. Fitaram Meuamigo, por um momento indiferente, e então voltaram à leve expressão habitual.
O que havia se passado pela cabeça dele, e por seus olhos. E quais pensamentos teriam se digladiado, e qual teria vencido, e o que seria dele agora, não se soube nem se adivinhou. Só o que houve foi que o Anfitrião voltou à posição de marcha e ordenou que prosseguissem, pois ainda havia um longo caminho pela frente.
Miamiko teve o impulso de perguntar para onde iam, mas percebeu que, junto com sua forma, muitas outras coisas haviam mudado. A fala que queria se lançar para fora movimentava tão somente suas banhas líquidas interiores, e a vontade de caminhar só fazia sua pele de bolha esticar e doer. Um pouco desesperado, Monami tentou parecer simplesmente parado, e fechou o que chamava de olhos, e ficou alguns segundos meditando. Quando os abriu novamente, e viu que a coluna já ia bem à frente, simplesmente agiu como se continuasse com sua antiga aparência, e seu imenso corpo bolha começou a se mover.

sexta-feira, 8 de agosto de 2008

Citação de Sexta: Rosebud, Asa Nisi Masa, Madeleine...


"Os lugares que conhecemos não pertencem sequer ao mundo do espaço, onde os situamos para maior facilidade. Não passam de uma delgada fatia em meio às impressões contíguas que formavam nossa vida de então; a recordação de uma certa imagem não é mais que a saudade de um determinado instante; e as casas, os caminhos, as avenidas, infelizmente são fugitivos como os anos."

-Marcel Proust, No Caminho de Swann
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quarta-feira, 6 de agosto de 2008

Leituras: as Férias

Doravante, toda primeira quarta-feira do mês (a não ser em circunstâncias extraordinárias) receberá neste blog comentários sobre as leituras cometidas no mês anterior. E às sextas (a não ser em circunstâncias extraordinárias), de todas as semanas, postarei alguma citação que achar interessante. Mais explicação que isso não é preciso: continuemos.
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A Insustentável Leveza do Ser, de Milan Kundera
Livro sensação dos anos 80, A Insustentável Leveza do Ser consegue a proeza de ser, ao mesmo tempo, um estudo sobre o amor e as relações erótico-afetivas humanas; e sobre as conseqüências de um estado totalitário na vida dos indivíduos. Possuindo alguns toques metalingüísticos, especialmente no relativo à criação dos personagens centrais, os casais Tomas/Tereza e Sabina/Franz, o livro gira em torno principalmente de diversas digressões, nada mais que manifestações do olhar agudo que o autor lança sobre suas personagens. As principais idéias que permeiam o livro são a do eterno retorno, personificada na pessoa de Tomas e no ditado Einmal ist keinmal (Uma vez não conta, uma vez é nunca.); a da dicotomia entre peso e leveza; e a do kitsch, “estação intermediária entre o ser e o esquecimento.” Recheado de imagens marcantes e discursos antológicos, de passagens sublimes e passagens perturbadoras, A Insustentável Leveza do Ser é uma dessas obras-primas paradoxais, que carrega dentro de si um peso e uma leveza só compreensíveis para quem está lá, na sua frente, saboreando suas palavras.

Zen e a Arte da Manutenção de Motocicletas – uma investigação sobre valores, de Robert M. Pirsig
A princípio, pode-se pensar que este é um daqueles livros de auto-ajuda disfarçado de contracultura: pelo título pomposo, pelo fato de uma das epígrafes ser uma citação do próprio autor, e pela situação inicial: um pai e um filho, junto a um casal de amigos, viajando de moto pela América (EUA, fique bem claro). Contudo, logo essa impressão de desfaz e o que se revela é um extraordinário tratado filosófico, distribuído com equanimidade por um enredo magnético. Basicamente, o livro retrata a busca de um homem pelo significado do conceito Qualidade – o que é, onde está, etc. -, e no caminho nos presenteia com interpretações das idéias de vários filósofos e, não só isso, com a aplicação dessas idéias na manutenção de motocicletas, ou, mais profundamente, de nós mesmos. Indo do cume de uma montanha até o fundo do oceano, o que o autor nos apresenta é uma chance de pensar e entender melhor o mundo.

O amante de Lady Chatterley, de D.H. Lawrence
Por um desses “acasos” que frequentemente no tomam de assalto, esse livro apresenta algumas coisas em comum com o anterior. Grosso modo, ambos apresentam uma crítica à racionalidade, ao intelectualismo, ou, nas palavras de Lawrence, às “palavras que nos separam da vida”. Entretanto, se no anterior o autor buscava uma conciliação entre uma vida com Qualidade e o progresso, a ciência, a tecnologia, aqui o que se vê é uma crítica feroz à sociedade industrial e tecnológica. Até mesmo as emoções são criticadas. Para o autor, o que temos (ou tínhamos, na década de 20, logo após a Primeira Guerra) são somente cópias grotescas de emoções, emoções falsificadas para conviver sem conflitos com o intelecto. O que ele propõe, com a história do romance entre Lady Chatterley e o guarda-caça da propriedade de seu marido, é que a sociedade trate o sexo de forma mais natural, nem como uma aberração obscena, nem como uma forma de diversão pueril, mas sim como um ritual necessário e sagrado para vida, idéia essa que permanece atual. Ele defende, inclusive num longo posfácio escrito já após as primeiras edições do livro, que recuperemos o contato humano imediato, e assim retornemos a um estado puro, que na marcha do progresso e da tecnologia, teria se perdido.

Ensaio Sobre a Cegueira, de José Saramago
Algumas obras são escritas de tal maneira, que não se dá descanso à alma enquanto não se a termina. Ensaio Sobre a Cegueira é escrita em tal estilo febril e hipnotizante, que percorri suas trezentas páginas em um único dia, numa espécie de frenesi literário, completamente envolvido pela história, pelo estilo, pelos personagens, por tudo! “Parece uma parábola”, diz um dos personagens, e de fato: essa parábola sobre uma inexplicável epidemia de cegueira que acomete a população de um país, e leva o governo a trancar alguns cidadãos sob quarentena em um manicômio, é um assustador relato da barbárie em que vivemos. Retira-se uma de nossas fundações, e tudo desaba: retornamos aos hábitos mais animalescos. Mas não nos enganemos: muito do que julgávamos ser parte da civilização também integra esses hábitos, o que nos obriga a enxergar quão tênue é a linha que separa essa civilização da barbárie, do estado natural das coisas, do inferno na terra. E, mais do que vermos o estado das coisas - a própria epígrafe do livro nos conclama: repara -, temos de repará-las recuperar o que foi perdido, superar o medo e ver as coisas como são. “Dentro de nós há uma coisa que não tem nome, essa coisa é o que somos.”

segunda-feira, 4 de agosto de 2008

Meus 10 romances preferidos

Hoje, seguindo a "tradição" das listas de segundas, trago aquela que indica os romances que mais me marcaram. Eles são, em sua totalidade, romances modernos, no século XX, mas isso não foi nenhuma escolha premeditada. É que, por um lado, não li muitos romances mais antigos, do século XIX ou anterior, e por outro, é possível que eu me identifique mais com uma linguagem mais próxima de mim, mesmo que só cronologicamente. Enfim: mistério, mistério, mistério... Leiam a lista, leiam os livros nela contida, e também façam as suas próprias e postem aqui! Estarei esperando.
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1. Ulisses, de James Joyce: O melhor e mais importante livro do século XX é também aquele que marcou o ponto de virada na minha vida de leitor. Antes dele, dedicava-me quase que somente a épicos de fantasia e ficção científica. Depois dele, o mundo da literatura descortinou-se diante dos meus olhos, e eu descobri o prazer da forma e do estilo. Já falei um bocado sobre Ulisses aqui neste blog, inclusive menos de dois meses atrás, quando foi comemorado o Bloomsday. Portanto, me abstenho de tecer maiores comentários a respeito deste monumento: o que nos cabe é lê-lo, e multiplicar assim seu alcance.

2. Grande Sertão: Veredas, de João Guimarães Rosa: Outra obra transcendental, extremamente marcante para mim. Guimarães Rosa é, de longe, meu escritor brasileiro preferido (não à toa, ele é considerado o Joyce tupiniquim). O estilo místico, mítico e poético de Rosa, misturado ao valor que ele dá à linguagem, fazem de Grande Sertão uma referência, um motivo, como eu li em algum lugar, para que, daqui a alguns séculos, quando talvez o português for uma língua morta, as pessoas aprenderem-no somente para ler a obra. E, além disso, há o lado humano, universal, que trata dos nossos grandes temas, e o coloca ao lado de Dom Quixote, de Fausto, do Ulisses supracitado... Grande Sertão: Veredas é um triunfo, e precisa ser lido e celebrado.

3. O Senhor dos Anéis, de J.R.R. Tolkien: Embora seja menosprezado por muitos dos ditos intelectuais, pela inteligentsia que o vê como uma obra infanto-juvenil, O Senhor dos Anéis é talvez o épico definitivo. Ele resgata os arquétipos e valores da infância da humanidade, quando obras como Beowulf, a Ilíada, a Odisséia, o Kalevala e outros poemas épicos surgiram,e os condensa em um único romance, cuidadosamente trabalhado e concebido. Já li O Senhor dos Anéis seis vezes, e a cada vez ele se me apresenta melhor, mais divertido, mais gostoso de ler. Marcou a minha vida de leitor, foi o meu "grande início", e por isso me é tão caro.

4. No Caminho de Swann, de Marcel Proust: Único livro de Em Busca do Tempo Perdido que eu li até agora, é também o primeiro volume. Atualmente, espero a sequência de publicação das ótimas edições da Globo para retomar (do início) a leitura, e então ir até o final. De qualquer modo, No Caminho de Swann já é, por si só, uma obra prima. O estilo lento e rebuscado do autor serve de instrumento para imergir totalmente o leitor em sua prosa. E o último páragrafo do livro, que remete cataforicamente ao final da série, é uma pérola que guardo permanentemente em minha lista de citações.

5. Lolita, de Vladimir Nabokov: O livro mais conhecido de Nabokov é, o que é injusto com a obra, conhecido principalmente por seu conteúdo polêmico. A história do professor que gosta de garotinhas, e empreende com uma delas uma viagem pela América escandalizou a sociedade da época, embora não contenha passagens explicitamente eróticas, como outro clássico polêmico, O amante de Lady Chatterley (do qual tratarei quarta-feira). Os grandes triunfos do livro são, em primeiro lugar, o fato de ser narrado pelo próprio professor pedófilo, o que exige do leitor uma atenção e uma concentração imensas em relação ao que é dito, caso contrário ele pode se ver enredado pelo discurso de Humber Humbert, tornando-se simpático a ele; e em segundo lugar pelo seu estilo, rebuscado, milimétrico e extremamente divertido.

6. O Processo, de Franz Kafka: Kafka, quando em vida, foi um completo fracasso. Mas seu legado, garantido ao mundo pela traição do amigo Max Brod, o colocou entre os melhores e mais importantes romancistas do século XX. Diferente de Proust ou Nabokov, o estilo de Kafka é seco, e diferente do de Joyce ou Rosa, direto. Ainda assim, ele opera verdadeiros milagres, com contruções hipnóticas e capítulos impossíveis de largar. Neste livro, Kafka antecipa a onda de regimes autoritários que assomaria a Europa após sua morte, com a história não terminada de um homem, Josef K., que é acusado de algum crime que desconhece, e acaba conhecendo as engrenagens de uma máquina escrupulosamente lógica, ainda que irracional e inumana. Assim como Flaubert em Bouvard e Pécuchet, Musil em Um Homem Sem Qualidades, e alguns outros gênios, Kafka chegou talvez em O Processo tão perto da Verdade que foi obrigado a parar.

7. Se um viajante numa noite de inverno, de Italo Calvino: Calvino tinha ligações com a corrente literária OuLiPo (Ouvroir de Littérature Potentiel, algo como oficina de literatura em potencial), e por isso gostava de experimentações em seus livros. Também gostava de escrever histórias curtas, contos formando um todo, como aparece em As Cidades Invisíveis e O Castelo dos Destinos Cruzados. Ambas as características estão presentes nesse Seu viajante... um dos livros mais originais da história da literatura. Pra começar, ele é o único livro narrado em segunda pessoa que eu conheço. Isso mesmo: Você, o Leitor, é o personagem principal, e a história começa justamente com Você lendo Se um viajante numa noite de inverno, o novo romance de Italo Calvino. Entretanto, Você logo percebe que há um problema de impressão no seu exemplar, e com isso um outro livro começa. Sucessivamente, Você vai percorrendo diversos romances, tentando ler cada um até o fim, inutilmente. Por meio desse recurso, Calvino exercita sua escrita em diversos estilos, e faz uma reflexão fascinante sobre a leitura, a literatura, e a maneira de contar histórias.

8. Cem Anos de Solidão, de Gabriel García Márquez: A saga dos Buendía na mitológica Macondo é um ao mesmo tempo melancólico e encantador romance. Os cem anos de solidão que a estirpe vive sobre a terra são o pano de fundo para diversos acontecimentos em que Márquez desenha lugares e personagens extraordinários, pessoas que têm suas vidas entremeadas com uma matéria onírica, que ao mesmo tempo é capaz de proporcionar alegrias e conquistas fora do comum, e caminhadas até o mais profundo vale de sombras. O estilo de Márquez é particularmente notável, um registro que, pela "indiferença", é capaz de encantar muito mais que alguns palavrórios desconjuntados.

9. Um Retrato do Artista Quando Jovem, de James Joyce: Primeiro livro de Joyce que eu li de cabo a rabo, após o retumbante fracasso com a primeira tentativa de leitura de Dublinenses, O Retrato do Artista Quando Jovem já foi alvo da análise deste blog. Atualmente, empreendo a leitura no original em inglês, para poder sentir de maneira mais imediata a força que o som e as palavras têm nesse livro, característica que só faria aumentar nas obras subsequentes do escritor.

10. Admirável Mundo Novo, de Aldous Huxley: Outro livro que já foi objeto de resenha do Amortescimento, Admirável Mundo Novo é uma deveras admirável construção que mistura ficção científica, totalitarismo, Shakespeare e até um certo misticismo para retratar um mundo onde a felicidade e a satisfação são imperativos, e o conceito "humanidade" é algo tão puramente científico e racional que se torna inócuo. Assustador e, ao mesmo tempo, revelador, como todas as distopias devem ser, Admirável Mundo Novo é uma obra que mistura uma linguagem poética e sutil com um pesado conteúdo, mistura que dá muito mais do que certo.

domingo, 3 de agosto de 2008

Pílulas Cinematográficas, Edição 4: Especial Hitchock

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Até há pouco tempo, só havia visto, para meu desgosto, um único filme do mestre Alfred Hitchcock: Os Pássaros. Ficava envergonhado de ser um cinéfilo e não ter assistido a nenhuma outra obra-prima do mestre. Felizmente, o “acaso” permitiu que eu visse outros quatro filmes do grande Hitch. Em comemoração a isso, faço essa edição especial das Pílulas Cinematográficas, totalmente dedicadas aos filmes de Alfred. Já foram 5! Agora, faltam só uns cinqüenta...
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Psicose (Psycho, 1960): Obra-prima definitiva do suspense, esse é provavelmente o filme mais conhecido de Hitchcock, imortalizado principalmente devido à famosa cena do assassinato do chuveiro, um milagre de técnica e tensão primorosamente filmado durante uma semana, 70 ângulos de câmera e muito sangue. A história é muito simples: uma secretária é tentada por alguns milhares de dólares que caem em sua mão (seu MacGuffin) e foge da cidade, acabando por parar em um motel de beira de estrada quase abandonado. Ali, é assassinada no banho, o que gera uma investigação que acabará por revelar algumas coisas bem assombrosas. Embora o final seja um pouco estranho, até totalmente diferente do resto da película, Psicose é uma obra-prima do suspense, coisa bem comum, por sinal, na filmografia do mestre do gênero.
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Um Corpo Que Cai (Vertigo, 1958): Assim como Psicose, este filme mostra a vocação de alguns filmes de Hitchcock para parecerem um episódio dos Simpsons na estrutura: do começo até o meio, o filme é um. A partir daí, ele muda completamente. Entretanto, isso acaba servindo para Hitchcock mostrar sua versatilidade e seu domínio da linguagem, contando uma história ao mesmo tempo totalmente coerente e totalmente diversificada. Aqui, a investigação de um ex-policial (James Stewart) que sofre de acrofobia sobre a mulher de um antigo conhecido leva a um redemoinho de acontecimentos, dúvidas e emoções que gera uma verdadeira vertigem. O filme, considerado um dos melhores de todos os tempos, e verdadeiramente “mais uma” obra-prima do mestre, faz uma reflexão sobre a imagem, e conta ainda com uma extraordinária Kim Novak interpretando brilhantemente três papéis diferentes.
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Festim Diabólico (Rope, 1948): Um dos filmes que Hitchcock propôs a si mesmo como desafios, Festim Diabólico é filmado como se fosse um único plano-seqüência, ou seja, sem cortes. Na época, os rolos de filme só tinham espaço para oito minutos de filmagem. Assim, quando era necessário “cortar”, Hitchcock passava a câmera por algum elemento do cenário (de um baú até os paletós dos personagens) que fosse negro, criando assim a ilusão de que não houvera cortes. O filme é, portanto, diferente de Arca Russa, em que a tecnologia permitiu que, de fato, duas horas de filmes fossem filmadas como um único plano-sequência, mas é igualmente impressionante. Na história, dois amigos assassinam um terceiro, por se crerem seres superiores. Depois, dão uma pequena festa familiar, com o pai e a tia do morto, a noiva dele, um outro amigo, a empregada e um antigo professor. O enredo é baseado em uma história real e, embora a atuação dos atores (mesmo a de James Stewart, que interpreta o professor) não seja muito boa, a tensão criada nesse filme é quase insuportável. A presença do corpo dentro de um baú, misturada à movimentação dos convidados pela sala, faz o coração vir à boca, e chegamos mesmo a torcer para que ninguém descubra o corpo, por mais odiosos que os assassinos sejam. Festim Diabólico é uma extraordinária mostra de como manipular as emoções de uma platéia, coisa que Hitchcock fazia melhor do que ninguém.
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Frenesi (Frenzy, 1972): Penúltimo filme de Hitchcock, não chega a ser uma obra-prima, algo que se destaque, mas mantém todas as boas qualidades do mestre. É um suspense com uma história envolvente, que nos deixa atentos até o final. Uma característica peculiar desse filme é o fato de mostrar cenas de um teor erótico mais acentuado, diferente do que é comum na filmografia de Hitchcock. Algumas cenas de nudez e até mesmo uma cena de estupro estão presentes no filme, o que o diferencia um bocado do geralmente conservador em relação ao sexo diretor.

sábado, 2 de agosto de 2008

O MacGuffin

No passado, Hitchcock não era visto como um grande diretor pelos críticos, por fazer filmes de suspense, considerado um gênero menor. Foi necessário que um diretor francês, François Truffaut, apaixonado pela obra do britânico, mostrasse ao mundo a genialidade de Hitch. Durante uma semana, eles conversaram dez horas todos os dias, que foram gravadas e posteriormente reunidas em um livro, acabando por convencer a todos que Alfred Hitchcock estava no mesmo patamar de Fellini, Buñuel, Renoir e Bergman, os maiores gênios da Sétima Arte. Nas entrevistas, o diretor de Os Pássaros falava sobre seu processo criativo, seus métodos de filmagem, suas idéias estéticas e, também, sobre o MacGuffin...
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Hitchcock
: A famosa cláusula secreta era o nosso MacGuffin. Precisamos falar do MacGuffin!

Truffaut: O MacGuffin é um pretexto, é isso?

Hitchcock: É um expediente, um truque, um recurso para uma situação problemática, é o que se chama um gimmick. Então, a história do MacGuffin é a seguinte. Você sabe que Kipling costumava escrever sobre a Índia e os britânicos que lutavam contra os nativos na fronteira do Afeganistão. Todas as histórias de espionagem escritas nesse ambiente eram invariavelmente sobre o roubo dos planos da fortaleza. Isso era o MacGuffin. Portanto, MacGuffin é o nome que se dá a esse tipo de ação: roubar... os papéis; roubar... os documentos; roubar... um segredo. Na prática, isso não tem a menor importância, e os lógicos estão errados em procurar a verdade no MacGuffin. No meu trabalho, sempre pensei que os "papéis" ou os "documentos" ou os "segredos" de construção da fortaleza devem ser extremamente importantes para os personagens do filme mas sem nenhuma importância para mim, o narrador.

Agora, de onde vem o termo MacGuffin? Ele evoca um nome escocês e pode-se imaginar uma conversa entre dois homens num trem. Um diz ao outro: "O que é esse embrulho que você colocou no bagageiro?". O outro: "Ah, isso! É um MacGuffin". Então, o primeiro: "O que é um MacGuffin?". O outro: "Pois bem! É um aparelho para pegar leões nas montanhas Adirondak". O primeiro: "Mas não há leões nas Adirondak". Então o outro conclui: "Nesse caso, não é um MacGuffin". Essa anedota mostra o vazio do MacGuffin...

(...)

Um fenômeno curioso acontece invariavelmente quando trabalho pela primeira vez com um roteirista; ele tende a concentrar toda a sua atenção no MacGuffin e tenho de lhe explicar que isso não tem a menor importância. Tomemos o exemplo de Os 39 degraus: o que os espiões procuram? O homem que não tem um dedo?... E a mulher no início, o que ela procura?... Será que ela chegou tão perto do grande segredo que foi preciso apunhalá-la pelas costas no apartamento de outra pessoa?

Truffaut: É que deve haver uma espécie de lei dramática quando o personagem está realmente em perigo; durante o seu percurso, a sobrevivência desse protagonista passa a ser tão preocupante que o MacGuffin é completamente esquecido. Mas, seja como for, deve haver um perigo, pois em certos filmes, quando se chega, no final, à cena da explicação, portanto quando se revela o MacGuffin, os espectadores debocham, vaiam ou reclamam. Mas creio que uma de suas astúcias é revelar o MacGuffin, não bem no finzinho, mas após dois terços ou três quartos de filme, o que lhe permite evitar um final explicativo.

Hitchcock: Meu melhor MacGuffin -- e, por melhor, entendo o mais vazio, o mais inexistente, o mais irrisório -- é o de Intriga internacional. É um filme de espionagem e a única pergunta feita pelo roteiro é: "O que procuram esses espiões?". Ora, durante a cena no campo de aviação em Chicago, o homem da CIA explica tudo a Cary Grant, que lhe pergunta, referindo-se ao personagem de James Mason: "O que é que ele faz?". O outro responde: "Digamos que é um sujeito que faz export-import". "Mas o que é que ele vende?" "Ah!... só segredos do governo!" Você vê que, aí, reduzimos o MacGuffin à sua mais pura expressão: nada.